Alors qu’une grande partie du XXe siècle s’est attachée à accrocher des tableaux aux murs et à inviter les gens à les admirer à une distance respectueuse, Julio Le Parc a observé l’ensemble de cette mise en scène et a estimé qu’elle semblait inutilement statique.
Il remplissait les salles de reflets, de mouvement, de couleurs et d’incertitude — des œuvres d’art qui se comportaient moins comme des objets que comme des systèmes météorologiques, transformant les simples visiteurs du musée en explorateurs errant au cœur de tempêtes de lumière.
Le Parc est décédé le 30 mai 2026, à l'âge de 97 ans. Le 11 juin, une grande rétrospective s'ouvre à la Tate Modern — une exposition qu'il préparait encore dans les derniers jours de sa vie.
Julio Le Parc, « Continual Light Cylinder », 1962 © Atelier Le Parc 2026 ADAGP Paris et DACS Londres
La plupart des hommages ont, à juste titre, mis l’accent sur son rôle de pionnier de l’art cinétique et de l’art optique. Tout cela est vrai. Mais le domaine de l’immersion vient peut-être de perdre l’un de ses précurseurs les plus importants sans s’être pleinement rendu compte qu’il faisait partie de la famille.
Cette œuvre n'était pas quelque chose que l'on regardait. C'était quelque chose dans laquelle on entrait.
Ça vous dit quelque chose ?
Le domaine de l'immersion a cette curieuse tendance à considérer la participation comme une avancée technologique récente. Il semble que, presque chaque semaine, un nouveau vocabulaire fasse son apparition, promettant d'expliquer enfin la participation, l'engagement, l'émerveillement, la transformation ou le lien humain.
Mais bien avant que l’« immersif » ne devienne une catégorie à part entière, et bien avant que quiconque ne découvre que le simple fait d’ajouter le mot « immersif » devant un concept pouvait faire grimper à la fois le prix des billets et l’intérêt des investisseurs, Le Parc se penchait déjà sur bon nombre des questions qui animent aujourd’hui la conception d’expériences.
Comment transformer un spectateur en participant ? Comment amener quelqu’un à prendre conscience de sa propre perception ? Comment susciter l’émerveillement sans recourir à une histoire, à un personnage, à un casque ou à un écran ?
Ce n'étaient pas là des questions secondaires dans son œuvre. C'était l'œuvre elle-même.
Une pièce où la certitude s'efface
Si vous n'avez jamais vu une installation de Julio Le Parc, imaginez que vous entriez dans une pièce où la certitude aurait consciencieusement remis sa lettre de démission.
La lumière rebondit. Les ombres se déplacent. Des reflets apparaissent là où ils ne devraient pas. Les objets semblent bouger, puis s'arrêter, puis bouger à nouveau.
Quelque part à proximité, un autre visiteur fait un pas et toute la composition s'en trouve modifiée, comme si la pièce elle-même avait perçu sa présence et décidé de se prêter au jeu.
La plupart des œuvres d'art nous invitent à rester immobiles et à observer. L'œuvre de Le Parc suggérait poliment que le fait de rester immobile faisait peut-être partie du problème.
Julio Le Parc à la Tate Modern : une installation où les visiteurs sont invités à se sentir partie intégrante d'œuvres d'art géantes et immersives© Tate Photography (Kathleen Arundell)
Aujourd’hui, lorsque nous parlons d’expériences immersives, nous avons tendance à nous concentrer sur les aspects techniques : moteurs de rendu en temps réel, systèmes de projection, réseaux audio spatiaux, infrastructures de suivi, technologies haptiques, capteurs, matériel XR, modèles d’IA générative, et tout autre acronyme qui fait actuellement l’objet de démonstrations enthousiastes, soutenues par un budget d’investissement considérable, sur un salon professionnel.
Le Parc s'intéressait à quelque chose de plus fondamental : que se passe-t-il lorsque le public cesse d'être simple spectateur pour faire partie intégrante du système ? Les mécanismes peuvent changer, mais la question sous-jacente reste la même.
La lumière n'a jamais été l'essentiel. L'essentiel, c'était ce qui arrivait aux gens lorsque la lumière les trouvait.
De nombreuses expériences immersives à succès l'ont compris instinctivement. Un visiteur se trouvant dans un environnement teamLab, une installation du Balloon Museum ou l'un des univers lumineux de Moment Factory ne se contente pas de consommer du contenu. Le visiteur ne se contente pas tant de regarder l’œuvre que de la compléter.
Faites un pas, et tout se réorganise autour de vous.
Pourquoi il fait partie de la famille
Soyons donc précis en ce qui concerne l'héritage.
L'œuvre de Le Parc efface la frontière entre le spectateur et l'œuvre d'art. On ne se contente pas de la regarder. On y pénètre. L'expérience dépend de votre présence et de votre participation. Bougez, et elle bouge à son tour. Changez de position, et la composition évolue avec vous.
L'œuvre d'art n'est pas un objet figé qui attend d'être observé. C'est une relation qui attend d'être mise en œuvre.
Il suscitait l’émerveillement par la perception même. Pas d’univers narratif. Pas de galerie de personnages. Pas de propriété intellectuelle. Pas de mythologie à mémoriser. Pas d’écran. Pas d’instructions d’utilisation. Juste la lumière, le mouvement, l’espace, et la prise de conscience troublante que la réalité pourrait être un processus plus collaboratif que nous ne le reconnaissons généralement.
Mais surtout, il abordait la participation sous l'angle du jeu plutôt que sous celui du respect.
Son œuvre était ouverte, joyeuse et accessible. Les visiteurs n'avaient pas besoin de comprendre la théorie de l'art pour y prendre part. Il leur suffisait d'entrer dans la salle et d'y prêter attention.
Prises dans leur ensemble, ces idées commencent à paraître étonnamment familières.
Depuis son inauguration à Rome en 2022, le Balloon Museum a accueilli plus de dix millions de visiteurs en Europe, en Asie et en Amérique du Nord.Image fournie par Lux Entertainment
Un visiteur pénètre dans un environnement conçu à cet effet. L'environnement réagit à sa présence. Le sens se révèle par la participation plutôt que par l'observation. Le public contribue à achever l'œuvre. L'expérience n'est pas simplement offerte aux visiteurs ; elle se concrétise à travers eux.
Cela ne se limite pas à être simplement lié aux divertissements immersifs et géolocalisés d'aujourd'hui. C'est la logique même de leur fonctionnement.
Roberto Fantauzzi, PDG de Lux Entertainment, dont le Musée du Ballon a passé ces dernières années à convaincre des millions de personnes que l’art contemporain est bien plus agréable à apprécier dès lors qu’on peut y entrer, s’exprime ainsi :
« Ce qui me fascine, c’est le moment où un visiteur cesse d’être un simple spectateur pour faire partie intégrante de la composition. C’est là que l’art expérientiel contemporain prend toute sa puissance. Les expériences les plus mémorables ne sont pas simplement offertes au public ; ce sont les spectateurs eux-mêmes qui les accomplissent. »
« L'artiste crée les conditions, mais c'est la participation qui donne tout son sens à l'œuvre. En ce sens, le visiteur ne se contente pas d'assister à l'expérience : il contribue à la créer. »
Qu'il s'agisse d'une pièce de théâtre immersive, d'une expérience de réalité virtuelle en lieu réel, d'une attraction multisensorielle, d'un environnement muséal interactif ou d'un lieu de rencontre et de compétition , un univers narratif ou une installation expérientielle à grande échelle, le mécanisme sous-jacent reste remarquablement cohérent.
Les formats diffèrent. Les technologies diffèrent. Les approches créatives diffèrent. Les modèles économiques diffèrent, cela ne fait aucun doute.
Ce n'est pas le cas. Les gens pénètrent dans un espace. L'espace invite à l'action. L'action donne du sens.
Le squelette qui se cache derrière le spectacle
Pour être clair, Le Parc était loin d'être le seul à explorer ces idées.
Un historien de l’art quelque peu agacé pourrait citer Yayoi Kusama, James Turrell, Olafur Eliasson, GRAV, Allan Kaprow, Hélio Oiticica, Robert Irwin, ainsi qu’une longue liste d’autres artistes, mouvements et provocateurs qui ont remis en question la relation passive entre le public et l’œuvre d’art.
Ils auraient raison.
Le fait n'est pas que Le Parc ait inventé la participation. Le fait est qu'il en donne une vision d'une clarté exceptionnelle.
L'exposition « Infinity Rooms » de Yayoi Kusama a également été présentée à la Tate Modern, du 18 mai 2021 au 28 avril 2024. © Tate Modern/Yayoi Kusama
Son travail réduit l'équation à l'essentiel. Il élimine la propriété intellectuelle. Il élimine la trame narrative. Il élimine les mécanismes de jeu, la pile technologique, la mythologie, la construction de l'univers et le vocabulaire de plus en plus sophistiqué que nous avons développé autour de la conception d'expériences immersives.
Il ne reste qu’une personne, un espace, un ensemble de conditions perceptives et une invitation à participer.
C’est précisément cette simplicité qui fait de lui un précurseur si précieux pour les créateurs d’aujourd’hui. Regarder Le Parc, c’est un peu comme observer un dessin anatomique. Une grande partie de la chair a été retirée, laissant apparaître la structure sous-jacente.
Et la structure est étonnamment familière.
Un visiteur pénètre dans un espace conçu à cet effet. L'espace réagit. Le sens se révèle à travers la participation. Le public contribue à achever l'œuvre. L'expérience n'est pas simplement offerte aux visiteurs. Elle se concrétise à travers eux.
Julio Le Parc n'a pas inventé la conception d'expériences immersives. Mais il avait compris un principe fondamental que de nombreux créateurs d'aujourd'hui s'efforcent encore d'atteindre : la participation n'est pas une simple caractéristique de l'expérience.
C'est l'expérience.
Ce qu'il nous laisse
Les gens ne se souviennent pas des détails. Ils se souviennent des instants : celui où ils ont perdu la notion du temps, ou celui où ils ont vu quelque chose de familier devenir étrange. Cet instant, ce léger changement chez la personne qui se tenait dans la pièce, constituait l’œuvre entière de Le Parc.
C'est aussi, soyons honnêtes, la seule chose que le domaine de l’« immersif » ait jamais vraiment vendue. Je l’ai déjà fait valoir ailleurs que le changement d’état revêt plus d’importance que l’histoire. Le même principe s’applique ici.
Le véritable travail de la conception expérientielle ne consiste pas à transmettre un contenu, mais à orchestrer un changement — un changement de perception, d'attention, d'émotion ou de compréhension.
Le Parc l'avait compris instinctivement.
L'exposition de la Tate Modern présente plus de 60 œuvres couvrant les 70 ans de carrière de Le Parc, parmi lesquelles des installations interactives, des sculptures lumineuses et des peintures abstraites géométriques.© Tate Photography (Kathleen Arundell)
Et c’est là l’héritage qui mérite d’être revendiqué. À mesure que la valeur se déplace de ce que nous regardons vers les lieux que nous fréquentons, l’atout n’est plus la salle, l’installation ou la propriété intellectuelle : c’est ce qui se passe pour le visiteur à l’intérieur de cet espace.
Concevez votre produit dans cette optique, et vous créerez un moment qu’aucun concurrent ne pourra reproduire : quelqu’un entre, et ressort en voyant le monde, et peut-être même en se voyant soi-même, d’un œil un peu différent.
Julio Le Parc a consacré toute sa vie à cette transformation, et nous autres, nous essayons encore de le rattraper. Son œuvre, quant à elle, continue de scintiller, de onduler et d’insister avec douceur sur le fait que le public a un rôle à jouer.
Cet article s'inscrit dans le cadre d'une réflexion continue sur l'évolution du paysage immersif : comment nous nous sommes égarés, qui se bat pour redonner du sens à cette expérience, et pourquoi c'est important.
Pour en savoir plus sur le thème de cette rubrique, commencez par « Cet article est-il immersif ? », dans lequel j’expose ma mission : reprendre le concept d’immersion aux marchands de gadgets et le rendre à ceux qui créent des expériences dans lesquelles il vaut la peine de se plonger.
