L'un de mes tout premiers souvenirs de parc d'attractions remonte à ma petite enfance : je me tenais devant une petite grotte près de l'entrée de « Bear Country » à Disneyland. À l'intérieur, Rufus l'ours dormait. Depuis le sentier, j'entendais clairement ses ronflements résonner dans la petite grotte.
J'avais plein de questions en tête. « Qui est Rufus ? » « Pourquoi a-t-il l'air si fatigué ? » « Est-ce qu'il nous entend ? »
Je n'étais pas le seul à avoir été captivé par ce personnage. Rufus est devenu l'un de mes personnages préférés, dans le rôle du machiniste invisible du spectacle « Country Bear Vacation Hoedown » (et des spectacles suivants de la Bear Band).
Lorsque le parc a été réaménagé pour devenir Critter Country, la grotte de Rufus a été déplacée à Splash Mountain, où il a continué à faire la sieste jusqu’à ce que Br’er Bear s’y installe en 1992.
Rufus a traversé les décennies. Il s’agit notamment d’un personnage qui se définit entièrement par le cadre narratif et le son. Quand je l’entends, je ne perçois pas les « effets sonores » de Rufus — je perçois Rufus lui-même.
Grâce à ce cadre, les invités se font leur propre image de Rufus, en comblant eux-mêmes les lacunes. Pour Rufus, le son n’est pas un simple détail décoratif, mais un moyen de perception fondamental pour comprendre qui il est et ce qu’il fait.
Des sons qui façonnent nos croyances
Rufus m'aide à illustrer ce que j'ai décrit au fil de ces trois articles.
Le son, en tant que support perceptif, peut influencer la manière dont nous comprenons, percevons et interagissons avec les environnements, les personnages et les expériences.
Les sons peuvent servir d’enrichissement thématique, d’articulation narrative, voire de spectacle sonore. Mais bon nombre des sons les plus percutants ne sont pas du tout perçus par les visiteurs comme des éléments audio ajoutés, mais comme des sons naturels et autentiques des lieux eux-mêmes.
C'est peut-être simplement dû à la nature même des questions habituelles et des processus de production, mais le son a tendance à être considéré comme un élément complémentaire ou une touche thématique.
Les documents de cahier des charges peuvent définir des normes techniques et décrire à quoi ressembleront les sons. Les listes de ressources peuvent chercher à définir quels sons sont nécessaires.
Mais qu'en est-il des discussions constructives sur le rôle que jouera le son tout au long de l'expérience ? Ces discussions sont essentielles, mais il faut parfois insister un peu pour les susciter.
Les sons qui parviennent à modifier ce que les visiteurs considèrent comme vrai reposent sur la collaboration de plusieurs disciplines (et pas seulement de l'équipe sonore) qui comprennent ce que ces sons peuvent apporter.
Le cas de Rufus dans sa grotte montre que le son n'est pas seulement ce que les visiteurs entendent ; c'est souvent grâce à lui qu'ils parviennent à comprendre ce qu'ils croient percevoir.
Les sons de Rufus n'avaient rien de compliqué, mais le résultat allait bien au-delà d'un simple « effet sonore de ronflement ». Rufus a pris vie grâce à une combinaison de choix scéniques, narratifs, sonores et spatiaux. Ces choix ont créé les conditions permettant au son de façonner la perception des visiteurs.
Cette série d’articles avait pour objectif non seulement de mettre en lumière le potentiel des sons capables de transformer la perception, mais aussi de montrer qu’ils reposent précisément sur ce type de collaboration. Je conclus cette série par quatre réflexions susceptibles de contribuer à créer les conditions nécessaires à leur réussite.
Reconnaître la valeur et le potentiel du son en tant que support perceptif
J'ai commencé cette série d'articles en abordant des sons qui disparaissent: des sons qui façonnent la perception et modifient la façon dont les clients perçoivent et comprennent l’expérience.
Lorsque nous élargissons notre réflexion pour nous demander « comment le son peut-il nous aider à atteindre les objectifs créatifs plus généraux de cette expérience ? », de nouvelles possibilités commencent à se dessiner.
L'ironie de ces sons réside dans le fait que, lorsqu'ils sont les plus réussis (c'est-à-dire lorsqu'ils s'intègrent si bien à l'expérience que les auditeurs en oublient qu'ils proviennent d'un haut-parleur), ils passent souvent inaperçus en tant qu'élément sonore ajouté.
En reconnaissant cette catégorie de sons, nous commençons à mettre en évidence son potentiel en tant que support perceptif. Lorsque nous élargissons notre réflexion, en passant de la question « Qu’est-ce qui nécessite du son ? » à celle de savoir « Comment le son peut-il nous aider à atteindre les objectifs créatifs plus larges de cette expérience ? », de nouvelles opportunités commencent à se dessiner.
Assurer la cohérence
Aucune conception sonore, aussi excellente soit-elle, ni aucun système audio immersif ne pourra, à lui seul, produire ces résultats qui transforment la perception. La réussite dépend de la coordination et d'une collaboration précoce entre les différentes disciplines.
Lorsque les clients me racontent leur expérience, je m’imagine en tant que spectateur parcourant chaque instant de cette chronologie. Que ressens-je ? Qu’est-ce qui retient mon attention ? Que comprends-je à chaque instant ?
Lorsque je pose des questions pour clarifier les choses, je constate souvent que les responsables créatifs avec lesquels je m’entretiens partagent cette approche : ils s’imaginent eux-mêmes en tant que visiteurs vivant cette expérience. Mon objectif est de m’appuyer sur ce cadre commun pour chercher à comprendre comment le son va façonner l’expérience que nous imaginons.
La première étape du processus créatif de Herrington consiste souvent à s'asseoir à son bureau pour élaborer un schéma sonore.Crédit photo : Ben Herrington
Un « plan sonore » s'appuie sur cet exercice pour définir clairement ce que le son doit apporter d'un point de vue créatif. Presque sans exception, ma première ébauche créative prend la forme d'un plan sonore écrit.
Ce plan n'a pas pour but de définir la nature des sons, mais ce qu'ils doivent permettre d'atteindre. Il s'agit d'un outil précoce permettant d'établir une cohérence créative.
Dans le cadre de ces projets, un large éventail de disciplines collabore pour concrétiser des visions créatives ambitieuses et relever des défis d’une complexité hors du commun. Les responsables créatifs doivent prendre des décisions déchirantes concernant les compromis et les priorités.
Ce document a pour but d'éclairer ces décisions, sans pour autant chercher à imposer une approche particulière. Il expose ma compréhension de l'intention créative et met en évidence les divergences dès que possible.
Surtout, il met en avant les opportunités et les solutions ingénieuses tant qu'elles existent encore.
Flexibilité fondamentale
Il n’est pas rare que l’on considère la création sonore comme une étape tardive dans le processus de production. Or, plus ce type de travail est reporté, plus les possibilités s’amenuisent et plus de nouveaux défis apparaissent. Parallèlement, il est tout à fait raisonnable de vouloir éviter de consacrer des heures de conception à un travail susceptible d’évoluer (et qui évoluera inévitablement).
J'ai découvert que l'équilibre idéal, c'est des sons introduits dès le début et affinés au fil du temps. Plus précisément, une palette sonore flexible qui gagne en précision et en richesse à mesure que le projet avance.
Dans la pratique, cette approche permet de passer d'une résolution réactive des problèmes à une adaptation sonore réfléchie.
Les approches flexibles en matière de palette sonore présentent un deuxième avantage essentiel. Dans mon article précédent, j'ai décrit la sensation de ne plus percevoir un son sur lequel je travaillais, mais de l'accepter comme faisant partie de l'environnement.
« Essayer un son différent » ne donne pas ce résultat, mais une palette sonore bien conçue et modulable peut y parvenir.
Le travail en studio peut favoriser ces résultats en privilégiant des supports flexibles. En fin de compte, cependant, les personnes présentes sur le terrain (à bord de l'attraction ou dans les espaces de spectacle) doivent être capables de réagir de manière intuitive et artistique à ce qu'elles perçoivent et croient.
Guider les décisions créatives
Nous pouvons identifier très tôt des occasions de montrer comment une conception sonore permet d'atteindre des objectifs créatifs, de surmonter des défis complexes et de mettre en lumière des problèmes qui nécessitent une réflexion collective.
Ces supports peuvent prendre différentes formes, telles que des maquettes, des prévisualisations, des prototypes ou des animatiques. Je ne les considère pas comme un moyen de simuler un résultat final, mais comme un moyen de communiquer clairement ma vision et mon intention, afin que l'équipe puisse y apporter une réponse pertinente.
L'essentiel est de saisir les occasions de présenter les sons dans un contexte plus large, afin de permettre aux équipes d'évaluer par elles-mêmes dans quelle mesure le son répond aux objectifs créatifs généraux de l'expérience.
Lorsque le son devient un outil essentiel pour orienter les décisions créatives en modifiant la façon dont les créateurs perçoivent leur projet, sa valeur apparaît comme une évidence.
Je reviens tout juste d'une présentation sonore consacrée à un prototype de véhicule d'attraction destiné à un projet dont l'ouverture n'est prévue que dans plusieurs années. Notre objectif était avant tout de présenter le son comme un support perceptif à part entière.
Nous avons compris que l'équipe percevait les sons comme tels lorsque la conversation est rapidement passée de la description de leur sonorité à ce qu'ils permettaient d'accomplir et à la manière dont ils pouvaient façonner l'expérience.
Plutôt que d’essayer de décrire ce que le son peut apporter, l’équipe a pu en faire l’expérience par elle-même, ce qui lui a permis d’acquérir des informations précieuses sur l’expérience qu’elle est en train de créer. Malgré la présence d’animatiques, d’illustrations conceptuelles et de maquettes, le producteur a déclaré : « C’est la meilleure représentation de l’expérience à ce jour. »
Lorsque le son devient un outil essentiel pour orienter les décisions créatives en modifiant la façon dont les créateurs perçoivent leur projet, sa valeur apparaît comme une évidence. Aux premières étapes d'un projet, ce type de perception façonne et guide les efforts qui suivront.
Les sons qui façonnent la perception des clients comptent parmi les outils les plus puissants dont disposent ces équipes de projet. Lorsqu’ils sont conçus avec soin et dans un esprit de collaboration, ils peuvent transformer la façon dont les clients perçoivent chaque aspect de l’expérience. Mais cela nécessite une approche différente : il ne s’agit pas seulement de réfléchir à ce que les clients entendront, mais aussi à ce qu’ils croiront.
Quand je les construis, je ne veux pas que les invités trouvent que mon travail sonne bien ; je veux qu’ils croient que l’ours est dans la grotte.
Cet article est le troisième d’une série de trois rédigés par le président et directeur artistique de Sound Sculpture Inc, consacrée à la conception sonore dans le domaine des parcs d'attractions à thème.
